“El 95 por ciento del arte que se hace es porquería”

El Cultural/  1 diciembre 2015

Por Saioa Camarzana

El periodista y director de arte de la BBC presenta en Madrid Piensa como un artista, un libro en el que apunta que todos somos creativos

“El arte es un poco lento, habla de ideas y los artistas, muchas veces, ven las cosas antes que el resto de nosotros”. Habla el director de arte de la BBC del Reino Unido, acepta que se hacen noticias de arte para la cadena pero que sin duda la condición de celebridad es crucial ya que los editores buscan que su público sepa de lo que están hablando. Debería haber más espacios dedicados al arte, “deberíamos confiar más en los artistas y no esperar a que sean famosos porque no son estrellas del rock sino, de alguna manera, intelectuales”, opina Will Gompertz que acaba de publicar Piensa como un artista(Taurus).

Pero, ¿de qué hablamos cuando hablamos de arte contemporáneo? “Es una buena pregunta porque se puede hacer arte hoy y que parezca irrelevante y viejo. En cambio, ves una obra de 1400, de Piero della Francesca y resulta fresco, vivo, como si hubiera sido pintado la semana pasada”, responde sin cortarse Gompertz. Tiene la experiencia no solo de la cadena de televisión sino de haber escrito para el The Guardian y el The Times durante 20 años. Arremete sin pudor contra algunos artistas a los que no considera como tales e incluso critica la escultura pública de Londres, que “es horrible, irrelevante, parece que viene de otra época”. Sarcasmo tampoco le falta cuando comenta que “vivimos deprisa y queremos las cosas en blanco y negro, simples y claras. Y el arte nos quiere hacer ver que la vida no es así, que la vida es caótica, complicada”.

– ¿Quién es o ha sido el artista más revolucionario?
– El artista más radical dentro del canon moderno ha sido Cezanne. Nos hizo darnos cuenta de que miramos los objetos con dos ojos y que las perspectivas matemáticas del arte que se había hecho hasta entonces no valían. Cezanne dijo que tenemos dos ojos, movemos la cabeza y vemos un mismo objeto desde diferentes perspectivas. Esto abrió camino a Picasso, al modernismo, al cubismo, al diseño de nuestros móviles, a toda la estética del siglo XX, en definitiva. Y cambió la sentencia ‘esto es lo que veo’ de los artistas por la pregunta ¿es esto lo que veo? Sin duda ha sido el más radical, progresivo e influenciador.

– Y, ¿el que mejor ha entendido esa premisa?
– El artista que más aceleró esas ideas fue Picasso. En mi opinión él creó el arte conceptual. Picasso y Braque cogieron piezas de sus estudios, las pusieron sobre un lienzo e hicieron collages geniales, valiosos y únicos. Tanto Picasso como Cezanne estimulan las mentes para pensar de otra manera.

– En ese sentido, en Pensar como un artista escribe que todos somos creativos a nuestra manera y que hablar de ello está ligado a la palabra fracaso. ¿De qué manera están conectados ambos términos?
No creo que exista el fracaso, es una idea falsa. El fracaso es temporal y subjetivo, parte del proceso de aprendizaje. No hay niño que no se caiga cuando está aprendiendo a andar y no decimos que fracasa en cada caída. Igual pasa con la creatividad. No es fácil tener una idea valiosa para la sociedad y para uno mismo, no es algo simple, requiere tiempo, una gran exploración, esfuerzo y seriedad. Caemos muchas veces antes de que esa idea se levante.Hacer cosas extraordinarias está dentro de nosotros pero tenemos que estar centrados, disciplinados, ser serios y pacientes. Es un esfuerzo recompensado porque cada vez estás más cerca de eso en lo que realmente crees.

Una vez conseguido son pocos los que tienen la capacidad de revolucionar el mundo y el mercado del arte. Uno de ellos fue Rubens a quien cita como el primer pintor que estableció la venta a domicilio. En cambio, dice, que Andy Warhol fue un gran vendedor de ideas y Van Gogh un artista bohemio idealizado que “en realidad fue un audaz comerciante”. No obstante, pocos artistas han vendido su arte tan bien como Damien Hirst a quien acusa, picarón, de no ser un buen artista. Tampoco Duchamp, afirma, “pero nadie pensaba como un artista como lo hacía él, era un genio”. Cuando presentó y defendió su obra maestra se preguntó: ¿por qué el arte tiene que ser bonito, único y hecho por artistas? La respuesta fue el urinario y dio paso a un tipo de arte en el que la idea es lo más importante. “Nace el arte conceptual. Sin él no tendríamos a Ai Wei Wei, a Jeff Koons o a Damien Hirst. Y cambió el arte no porque fuera un buen artista sino porque aprendió a pensar como tal”.

– Parece que algunos de los artistas jóvenes se han tomado al pie de la letra eso que inauguró Duchamp
– Tienes razón. Hay mucha porquería, el 95% del arte es porquería pero como en el mundo de la literatura o el cine. Y aún queda ese fantástico 5% que está tomando las ideas de Duchamp para hacer cosas increíbles.

Arte para cambiar sociedades y renovar barrios marginales

Sobre el artista chino Ai Wei Wei opina que no hace arte sino que “usa su condición de artista para cambiar el mundo, al estado chino e intentar cambiar sus reglas y leyes como la de la libertad de expresión. Y está causando efecto, está siendo escuchado”. Aunque, tal vez, una de las historias más fascinantes de las que da cuenta es la de Theaster Gates, el artista que vive en un complicado barrio del sur de Chicago. En lugar de huir de allí él fue expresamente a vivir a la zona y ahora, desde su condición de artista coge elementos de casas derruidas, los enmarca y los vende. Pero ese dinero no lo guarda sino que invierte en la revitalización de la zona. “Se ha convertido en un trabajador social”, apunta Gompertz.

– Tal vez una de las expresiones artísticas más contemporáneas sea laperformance. En Piensa como un artista habla de Marina Abramovic con admiración. ¿En qué momento esta disciplina pasa a ser considerada arte?
– La performance comenzó a ser considerada arte por Marina Abramovic. Lo que ella hace es convencernos sobre la manera en la que piensa y actúa. Sabe sobre el mundo y su integridad es impregnable, es capaz de hacer esto por su sinceridad. Toca el alma de la gente simplemente pensando como un artista, entendiendo a la gente y haciéndoles creer que tienen algo que desconocían. Esto es el performance y ya nadie se ríe de ello.

El papel de los medios de comunicación en el mundo del arte

– ¿Cuál es el papel que juegan en todo esto los medios de comunicación?
– Es esencial y las galerías de arte, museos y artista son inteligentes a la hora hora de usarlos. Andy Warhol tenía un máster en ello. Sin los medios es difícil saber qué es lo que está pasando y es vergonzoso que cada vez se estén quitando de en medio a los críticos porque el público necesita un rumbo. Los críticos decidimos quién es bueno y quién no pero es puede cambiar, alguien puede ser exitoso ahora e irrelevante dentro de 30 años.

– Y, ¿en el mercado del arte?
– También tenemos un papel en el loco mercado del arte haciendo a algunos artistas famosos que hacen ser más valiosos económicamente para los coleccionistas. No es lo mismo tener un Picasso en la pared que una obra de un artista del que no hemos oído hablar. En parte es una intuición del mundo del arte; a veces de manera positiva y otras negativa.

– ¿Cree que el tratamiento que se le da en los medios es adecuada?
– Creo que los medios están haciendo un buen trabajo pero el arte es lento y muchos artistas han sido tomados en cuenta con el paso del tiempo como Pollock o Hirst. Cuando aparecieron por primera vez se les calificó de basura pero los artistas van por delante. Podemos aprender de ellos y muchas veces al no ser un éxito instantáneo ni obvio los medios tienden a comportarse de manera ansiosa.

Fuente: http://www.elcultural.com/noticias/letras/Will-Gompertz-El-95-por-ciento-del-arte-que-se-hace-es-porqueria/8635

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